Christian Boltanski en el Centre Pompidou

Hasta el 16 de marzo de 2020 estará la retrospectiva “Faire son temps” del artista francés Christian Boltanski (París, 1944 – 2021) en el Centre National d’Art et de Culture Georges Pompidou, Centre Pompidou, París. Comisariada por el director del museo Bernard Blistène. Alrededor de cincuenta obras entre instalaciones, vídeos, fotografías en las que el artista reflexiona sobre la memoria, la ausencia y la presencia, la tradición judeo-cristiana, La fragilidad de la existencia, entre otros temas.

Boltanski está considerado uno de los principales representantes del arte conceptual, lo que es curioso porque el artista se concibe más bien como un artista tradicional, más cercano a la pintura y al objeto que a la idea. Según ha planteado en algunas entrevistas, su intención es suscitar emociones en el espectador como se ha venido haciendo siempre en el arte de contenido religioso. Para él, las emociones, los sentimientos han cambiado muy poco a lo largo de la historia. Al observar una fotografía de una persona, aunque ésta sea anónima, nos suscita interrogantes que son universales porque nos acercan a nuestros propios cuestionamientos y vicisitudes: ¿quién es esa persona?, ¿cómo vivió?, ¿cómo murió? ¿cuál era su condición humana? Al observar una serie de objetos cotidianos acumulados, éstos constituyen un dato físico en sí, son elementos que refieren conceptos de familia, de sociedad, de educación, maneras de vestirse; son datos de existencia pero frente a ellos también tenemos reacciones empáticas: ¿a quién pertenecía? ¿qué fue de sus dueños? y asociamos esas reacciones a nuestra propia existencia, se nos presentan sentimientos relacionados con la pérdida, la ausencia, la muerte, a otras épocas de nuestra vida, ¿qué pervive en nuestra memoria de las personas que hemos conocido y ya no están? El mismo artista hace acopio también de sus propias experiencias: su niñez, sus raíces genéticas, el tener una madre cristiana y un padre judío, el haber perdido familiares durante la Segunda Guerra Mundial.

Boltanski desearía que el espectador reconociera y se reconociera en los contenidos de sus obras, no sólo los descubriera, que viese a través de ellos la esencia de los que somos, la memoria de lo que seremos. Erige con sus instalaciones monumentos, recordatorios de existencia. Él habla, según sus propias palabras, de un “minimalismo sentimental”, porque al final todo se reduce a lo que nos une a los seres humanos, lo primigenio de nosotros mismos.

Para elaborar sus obras recurre a diferentes técnicas, pero sobre todo a la reapropiación fotográfica, al vídeo, fundamentalmente al mundo de la imagen. Esto también lo liga a su tiempo, a la época que le ha tocado vivir. Transita también las zonas opacas de la realidad, desde dos perspectivas: un la del objeto, porque no es sólo un objeto cotidiano, se torna en objeto de sentido y en un objeto estético, y la otra, porque evidencia lo que no está allí, lo que no se ve. Y en esto último también tiene que ver el uso que hace de las sombras y las luces (Coeur, 2005, o Départ, 2015, por poner algún ejemplo), de la imagen difusa y veladuras (Les Voiles, 2013, entre otras), de los símbolos contenidos en sus trabajos.

En la exposición veremos obras emblemáticas del artista, además de las antes mencionadas: L’homme qui tousse, 1969, L’Album de photographies de la famille D. entre 1939 et 1964, 1971, Vitrine de reference, 1972, Reservé: Les Suisses Morts, 1991, Menschlich, 1994, Prendre la parole, 2005, Les Regards, 2011, Animitas Chile, 2014, Le Terril Grand-Hornu, 2015

Christian Boltanski en el Fondo Documental de Arte Contemporáneo Miguel Marcos

Información sobre el artista

Obras del artista

Información sobre el artista en el Museo Guggenheim de Bilbao

Dossier Educativo sobre el artista en el Centre Pompidou

Información sobre el artista en francés

Información sobre el artista (varios idiomas)

Información sobre la exposición en el Museo Reina Sofía, 1988

Folleto de la exposición en el Museo Reina Sofía

Reseñas sobre el artista en El País

Ensayo de Emanuela Saladini

Entrevista al artista por María Elena Ramos